Quando se pensa em comédia romântica é fácil lembrar dos filmes antigos de nomes como Julia Roberts, Meg Ryan ou Jennifer Lopez. Mas A Natureza do Amor, que estreia hoje no Espaço Itaú de Cinema (shopping CasaPark) e demais redes entrega um resultado diferente. A história parece conhecida: Sophia (Magalie Lépine Blondeau, de Amores Imaginários) é uma professora que está namorando com um homem e viaja para acompanhar a reforma do seu chalé no interior. Lá conhece Sylvain (Pierre-Yves Cardinal, de Tom na Fazenda), responsável pela obra, e logo surge uma atração.

O encontro entre personagens de mundos diferentes sempre é tema de histórias românticas. No caso, há a diferença na educação entre Sophia e Sylvain. Enquanto ela leciona e é intelectual, ele tem um comportamento mais caipira e selvagem. Fala palavras erradas e parece ser mais autêntico e menos urbano que o atual namorado da mulher. E talvez sejam todos esses elementos que fazem com que surja uma forte química entre os dois. É aquela frase conhecida: os opostos se atraem. Apesar de ter realmente momentos engraçados, muitos com um humor mais ácido que o esperado, o longa-metragem se destaca também pelo drama e cenas picantes.

Por isso que A Natureza do Amor pode surpreender os desavisados. É um filme mais humano e real do que as comédias românticas hollywoodianas cheias de clichês. A relação do casal principal é mais carnal do que um relacionamento idealizado e ‘puro’, digamos assim. Outro diferencial do longa é a câmera, repleta de zooms o tempo inteiro. Isso traz um certo realismo em alguns momentos e, em outros, dá um aspecto de voyeurismo, como se estivéssemos realmente espiando aquela história sem sermos percebidos.

Ao definir a visão do amor com base em pensadores e filósofos em suas aulas na universidade, Sophia prepara o público sobre a complexidade desse sentimento e como ele é capaz de mudar a vida das pessoas de cabeça para baixo. A direção e roteiro ficam por conta de Monia Chokri, que também é conhecida por seus trabalhos como atriz. Um bom exemplo de cinema canadense com uma história que parece ser simples, mas com mais camadas e reflexões.

*Por Michel Toronaga

Histórias de triângulos amorosos não são novidades na literatura e muito menos no cinema. E por mais que a temática possa não ser a mais original de todas, ela ainda rende boas surpresas. É o caso de Rivais, que estreia hoje nas salas do Espaço Itaú de Cinema (shopping CasaPark) e demais redes. O filme tem direção de Luca Guadagnino, que até hoje tem colecionado bons títulos em sua filmografia, como Me Chame pelo Seu Nome e o mais recente Até os Ossos. Desta vez, ele conta a história de dois amigos.

Art Donaldson (Mike Faist, de Amor, Sublime Amor) e Patrick Zweig (Josh O’Connor, da série The Crown) são amigos desde sempre. Ambos jogam tênis e a dupla se destaca após vencer algumas competições. Mas toda a amizade sofre uma mudança depois que ambos se encantam por Tashi Donaldson (Zendaya, de Duna), que também é uma tenista promissora. Totalmente ciente do que quer para o futuro, Tashi é uma mulher que deseja o sucesso no esporte. Só que nem todas as coisas saem como o planejado.

A narrativa de Rivais vai e volta no tempo inúmeras vezes, desde flashbacks de poucas horas antes de uma partida decisiva até décadas antes. Como a história dos amigos começa na adolescência, este é um recurso interessante para manter o interesse nas mais de duas horas de projeção. O quebra-cabeças do relacionamento do trio é resolvido aos poucos, mostrando como sempre o tênis e o romance fizeram parte da vida de todos. No presente, Donaldson precisa se recuperar de uma série de derrotas e seu oponente é justamente Zweig.

Sem dúvidas a personagem de Zendaya é o maior destaque da trama. É ela quem embaralha tudo assim que aparece e faz com que o destino dos dois melhores amigos mude. Um ponto interessante é o elenco, que parece que realmente viaja no tempo em todas as etapas, com uma caracterização convincente nas fases adulta e jovem. Pelo trailer, Rivais aparenta ser mais apimentado e ousado do que realmente é. Mas isso não é um problema. Luca Guadagnino consegue entregar outro trabalho acima da média.

*Por Michel Toronaga

Tenso e com tons realistas, o suspense de ação Guerra Civil estreia hoje no Espaço Itaú de Cinema (shopping CasaPark) e demais redes com uma história assustadora: um caos na maior potência do mundo. No filme, os Estados Unidos estão em guerra e o descontrole toma conta do país. Embora a trama não detalhe exatamente todos os motivos que fizeram com que tudo chegasse a este ponto, é possível pegar algumas pistas entre um diálogo ou outro. O fato é que a insegurança e o perigo ficam presentes o tempo inteiro.

Lee (Kirsten Dunst) é uma fotógrafa de guerra que capta os registros de rebeliões e demais cenas bárbaras. Com um olhar exausto de quem já viu de perto a podridão humana em uma série de atrocidades, ela possui um comportamento anestesiado diante a violência que suas lentes captam. Ela trabalha ao lado de Joel (Wagner Moura), que ainda traz um pouco de sentimentos e energia em suas coberturas fotográficas. Eles embarcam numa viagem para conseguir registrar o presidente, que pode cair a qualquer momento.

Acompanhados de outro fotógrafo veterano e de uma ambiciosa e jovem fotógrafa (Cailee Spaeny), eles cruzam o país em busca do clique perfeito para entrar para a história. Neste road movie repleto de momentos nervosos, os personagens revelam seu amor pelo jornalismo ao se arriscarem entre tiros, granadas e loucos fortemente armados. Alex Garland (que já foi indicado ao Oscar por Ex Machina: Instinto Artificial) dirige e assina o roteiro de Guerra Civil. O filme consegue prender a atenção do início ao fim, numa escalada de tensão imprevisível.

Um dos pontos interessantes do longa-metragem é quando ele intercala os momentos de tensão crescentes com cenas mais descontraídas. Ao mesmo tempo que se vê sobreviventes de guerra, às vezes os personagens parecem uma típica família. O comportamento robótico de Lee muda e se torna quase materno ao tentar proteger a fotógrafa aprendiz. E, embora alguns momentos contemplativos revelem a beleza da vida, como delicadas flores que nascem num território cheio de tiroteios, a cruel realidade logo esmaga a esperança de um mundo pacífico.

*Por Vinícius Remer

Uma Baía, novo documentário do cineasta Murilo Salles, explora a Baía de Guanabara, no Rio de Janeiro, a partir de um olhar bastante singular. São oito histórias de personagens que vivem ao redor dessa grande região oceânica. Exibido nos festivais DOK Leipzig e no Festival do Rio em 2021, o doc tem a sua estreia marcada nacionalmente para a quinta (18).

O diretor inicia o documentário mostrando trabalhadores de um cais da Baía de Guanabara em cenas que revelam o dia a dia daquelas pessoas no seu local de trabalho. O cineasta deixa esse grupo maior e passa a se concentrar em histórias individuais de outros personagens. O longa sai do macro para o micro. Literalmente. Cenas com caranguejos, como se tivéssemos diante do ponto de vista desse animal, também aparecem em tela.

Ao mesmo tempo em que retrata a riqueza dessa Baía de Guanabara, onde trabalhadores retiram dela tudo aquilo que é necessário para a sua subsistência, o documentário também aborda a vida urbana ao redor dessa baía. Mostrando uma região sem infraestrutura, com casas precárias, bairros sem saneamento básico e ruas sem asfalto. Revelando as contradições desse lugar.

Com poucos diálogos, o cineasta se dedica a acompanhar esses personagens, entregando pequenas fábulas permeadas na beleza de uma Baiá de Guanabara contrastada com uma desigualdade latente presente em alguns bairros do Rio de Janeiro. O forte do documentário é o poder da sua imagem permeada pelo som da vida que habita esse espaço contraditório, seja pela sua natureza ou pela sua vida urbana.

Mas existe um tema em comum que também permeia todas as histórias. Em algumas cenas, os diferentes personagens assistem pela televisão os desdobramentos da grande crise política que o Brasil viveu recentemente, o impeachment da presidente Dilma em 2015. Novamente, o macro e o micro em diálogo no documentário. A política como essa grande ordem que rege a sociedade e os desdobramentos dela na vida cotidiana das pessoas.

O longa lembra a cinematografia do cineasta Adirley Queirós. O ceilandense também tem inovado bastante no gênero documental. São obras de personagens comuns retratados em situações corriqueiras, permeadas por certo lirismo e pela política ali em volta, como nos registros de manifestações. Personagens que não dizem quase nada, pois tudo está sendo mostrado por outros sons e imagens. Em Uma Baía, o cineasta Murilo Salles parece navegar pelo mesmo caminho

*Por Michel Toronaga

Uma das músicas mais conhecidas do país ganhou uma versão cinematográfica. O clássico Evidências, de Chitãozinho & Xororó, toca sem parar na comédia romântica Evidências do Amor, que estreia hoje nas salas do Espaço Itaú de Cinema (shopping CasaPark) e demais redes do país. Com direção de Pedro Antonio (Tô Ryca!), o longa-metragem é protagonizado por Fabio Porchat (Meu Passado Me Condena) e Sandy Leah (Quando Eu Era Vivo). A trama fala de um casal formado por Marco Antônio e Laura, que começam uma história de amor após cantarem a música durante um karaokê.

A química entre os dois é visível, mas o relacionamento acaba esfriando com o tempo até terminar definitivamente. Marco sofre muito após a separação e, um ano depois, passa por uma experiência inacreditável. Toda vez que ele escuta a música ou a melodia de Evidências, consegue fazer uma viagem no tempo e reviver momentos do namoro. Porém as situações que ele tem que presenciar são sempre ruins, como discussões ou desentendimentos com a namorada. Disposto a por um fim nessa maldição, ele tenta descobrir uma forma de conseguir viver longe do passado.

Porchat é muito engraçado e dá conta de sustentar o humor do início ao fim. A parte romântica também funciona. O roteiro aproveita os dotes musicais de Sandy, mas mesmo assim é possível enxergá-la como uma atriz interpretando uma personagem que também tem talento musical. O fator sobrenatural da história dá um ar inovador à história. E apesar de ser divertida toda a questão do retorno para as lembranças, há um teor dramático presente. Ao reviver suas memórias, Marco percebe também os erros que cometeu.

O elenco traz participações de José Augusto (cantor que é o compositor de Evidências), além da humorista Evelyn Castro, conhecida por também integrar o elenco do Porta dos Fundos. A história de Evidências do Amor funciona bem e o resultado é uma comédia romântica nacional encantadora sobre a importância do diálogo num relacionamento e amadurecimento nesse complexo desafio que é a vida a dois.

*Por Michel Toronaga

Depois de uma patética refilmagem em 2006, parecia que só mesmo um milagre seria capaz de fazer com que a franquia A Profecia voltasse a dar certo. Mas eis que estreia hoje nos cinemas do Espaço Itaú de Cinema (shopping CasaPark) e demais redes o longa-metragem A Primeira Profecia, um surpreendente trabalho que conta o início de tudo. Cronologicamente falando, é o começo da saga de Damien, que começou em 1976 e só terminou em 1981, na terceira parte da trilogia principal. Portanto quem nunca viu os outros filmes pode assistir sem problemas.

Com direção de Arkasha Stevenson, da minissérie da Netflix Vingança Sabor Cereja, o filme acompanha a jovem Margaret (Nell Tiger Free). Ela é uma norte-americana que se muda para Roma para se tornar uma noviça. Lá, é bem recebida pela irmã Silva (a brasileiríssima Sônia Braga) em um orfanato religioso que cuida de meninas órfãs. É quando ela conhece uma misteriosa garota chamada Carlita. Quando um padre tenta avisar Margaret que há algo muito maligno prestes a acontecer, ela percebe que realmente existe um segredo entre as freiras.

O maior elogio que A Primeira Profecia pode receber é que ele realmente se parece um filme de época. E não apenas pela competente reconstituição da cidade italiana dos anos 70, mas também a forma como a narrativa é construída. É como uma grande homenagem ao terror antigo. Há referências às produções originais, como a frase “É tudo para você” e um estranho acidente envolvendo uma reforma. O que se sente falta é a trilha sonora marcante de Jerry Goldsmith, que é tão emblemática na série. Mas o compositor Mark Korven fez um bom trabalho, embora o momento mais marcante ainda seja quando toca Ave Satani, o demoníaco tema que faz parte da trilha premiada no Oscar.

Recentemente foram lançados muitos filmes de terror ambientados em conventos ou envolvendo freiras. Nem todos são bons, por isso podem pensar que o filme de Stevenson pode ser apenas mais um da leva. Mas definitivamente A Primeira Profecia merece ser visto. É uma obra sombria e com uma história profana e perturbadora que fala da relação da igreja com o nascimento do Anticristo. Algumas cenas certamente vão dar o que falar por serem explícitas. E destaque para um momento especial de Nell Tiger Free que lembra a assombrosa atuação de Isabelle Adjani no metrô em Possessão (1981). Muito bom!