Para você quer saber mais sobre um determinado o filme, o Daiblog tem uma nova seção: o Daiblog Especial. Assim você poderá ler notas de produção e demais informações sobre um filme em específico. Mas atenção: o material a seguir é recomendado para quem já assistiu ao filme e quer saber mais curiosidades, pois pode conter informações que podem estragar surpresas do roteiro.

“A uma noite que nenhum de nós quatro jamais vai esquecer.”

A despedida de solteiro é uma tradição seguida até hoje. Todo final de semana, em todos os Estados Unidos, inúmeros homens às vésperas do casamento saem com um grupo de amigos para uma última farra. “É apenas um encontro com uns poucos amigos”, diz o diretor Todd Phillips casualmente, como se pretendesse minimizar a possibilidade de uma noite tão inocente render alguma coisa perigosa, maluca ou ilegal.

“É muito típico, eles nem gostam de chamar de despedida de solteiro porque consideram simplesmente uma noite em que os rapazes saem juntos. Um bom jantar, boas risadas e um brinde ao noivo. Totalmente inofensivo”, enfatiza Phillips.

No filme, a saída dos rapazes acontece muito perto da data da cerimônia de casamento de Doug. E, sim, seu futuro sogro lhe emprestou sua Mercedes de estimação… E, claro, Stu mente à namorada sobre o lugar aonde eles vão… E, sim, eles estão levando Alan, o cunhado de Doug, que é meio anti-sociável, uma bomba-relógio prestes a explodir… Mas, além desses “detalhes”, o que mais seria motivo de preocupação?

Quando o quarteto chega ao hotel Caesars Palace, todos estão se sentindo bem e relaxados. Eles sobem para o terraço para começar a noite com um brinde diante da vista de Vegas, com as luzes brilhando sob o céu do deserto, erguem os copos brindando à nova vida de Doug e “a uma noite que nenhum de nós quatro jamais vai esquecer”. E essa é a última coisa de que eles se lembram.

“O que aconteceu?”
Phil, Stu e Alan acordam pela manhã e estão esparramados e com a cara no chão de mármore. Os raios de sol atravessam as janelas, revelando uma suíte digna de um palácio, porém está tudo um caos.

Isso não é nada fora do normal, para uma despedida de solteiro, garante Phillips. “Ficar bêbado e acordar ao lado de uma pilha de garrafas faz parte da história. Num filme com uma ressaca para pôr fim a futuras ressacas, tínhamos que ir um passo além. Pensamos: ‘Qual seria a noite mais maluca que alguém poderia ter, sobrevivendo para contar sobre ela?’”

“Que tal se um bebê que eles nunca viram estivesse no quarto deles e houvesse um tigre no banheiro?”, propõe o produtor Dan Goldberg, que trabalha pela quarta vez em parceria com Phillip, em “Se Beber, Não Case!”, depois de “Caindo na Estrada”, “Dias Incríveis” e “Escola de Idiotas”.

Bonecas infláveis bóiam na banheira de hidromassagem, uma cadeira ainda solta fumaça no que parece ter sido uma fogueira e um divã pende do teto.

Ah, e tem mais uma coisinha: o noivo sumiu… Os três tentam recobrar a sobriedade, e cada um reage de uma forma a esse cenário. Phil, confiante, embora ainda zonzo, faz um inventário do prejuízo e conclui que eles se divertiram bastante e que Doug logo estará de volta. Stu, o mais estressado e o dono do cartão de crédito que foi dado como garantia de pagamento das despesas, entra em pânico crescente, à medida que vai tomando consciência do prejuízo na suíte de 4 mil dólares que eles estão ocupando. E Alan fica fascinado, quer dizer, depois de se recuperar do fato de que estava quase nu e a uma pequena distância de um tigre adulto de verdade e vivo.

Bradley Cooper interpreta Phil, “o cara que faz os planos e logo convence os demais”, diz Goldberg. O único do grupo que já se casou e teve filhos, Phil sente-se um pouco tolhido pela vida de pai de família, professor de uma escola de segundo grau e ansioso pela viagem, que seria uma rara oportunidade de se soltar um pouco com seus antigos amigos da escola. Ele não vai deixar esse pequeno contratempo estragar seu final de semana.

“Phil pensa, ‘Vamos tomar uma aspirina e fazer uma coisa de cada vez. Não há motivo para pânico’”, conta Cooper. “Não importa que a situação fuja ao controle, ele continua achando que pode lidar com ela. E continua tentando, até o ponto em que o controle da situação lhe escapa completamente.”

“Bradley é muito engraçado, na tela e fora dela, mas eu o vejo mais como um protagonista e nesta história ele assume o papel do líder do grupo. É ele que ao acordar em meio à bagunça no dia seguinte tenta trazer os outros dois para a realidade, para que todos consigam entender o que aconteceu”, explica Phillips.

Enquanto isso, Stu, um dentista gentil, mas contido, extremamente responsável e com uma namorada que o mantém em rédea curta, está longe de estar calmo. A única coisa que o faz esquecer-se do medo de a namorada Melissa encontrar o recibo das despesas com o cartão de crédito dando conta da noite desastrosa é o fato de perceber que, não se sabe como, ele perdeu um dente. O pior é que foi um dos dentes da frente, onde restou um buraco que ele não sabe como explicar.

“Fiquei lisonjeado quando os realizadores me escolheram para o papel, e ao mesmo tempo um pouco ofendido, já que o Stu é meio ‘bocó’, neurótico e metódico”, brinca Ed Helms, que interpreta Stu, e que ia e vinha entre Las Vegas e Los Angeles, para conciliar com as gravações da série de televisão The Office. “Se formos classificá-los segundo arquétipos, Phil seria o cara descolado, Alan seria o esquisitão e Stu seria o nerd. Fico me perguntando o que os levou a me escolherem justamente para esse papel…”

Phillips parece saber a razão: “Ed arrasa como um cara reprimido, à beira de um ataque de nervos”.

Dos três, Alan, papel de Zach Galifianakis, é provavelmente o de temperamento mais semelhante ao real, o que não significa que ele tenha as respostas. Stu se debate por causa do dente perdido e a possibilidade de sua vida estar arruinada; Phil tenta desviar a atenção deles falando de café da manhã e jogo; e Alan, enrolado num lençol, desloca-se descontraidamente pela bagunça com uma curiosidade infantil e um certo orgulho, em meio a mordidas numa pizza fria que ele encontra numa almofada do sofá.

E para complicar ainda mais, Alan descobre que um bebê aparentemente feliz e saudável está num canto do quarto. Fã do tipo de humor em comédia stand-up de Galifianakis, Phillips sabia que ele brilharia num papel perfeitamente adequado ao seu estilo e criatividade, por isso o escalou como Alan, “um sujeito com ‘dois pés esquerdos’, que sempre toma as decisões erradas”.
“Alan não tem amigos e nem tem noção de que todos o acham estranho, pois acredita que tudo o que faz e diz é superlegal e adequado”, conta Galifianakis, que continua descrevendo seu personagem como “alguém que deve ter tomado barbitúricos demais em noitadas”. “O bom desse papel é que ele não precisa fazer muito sentido. Geralmente, um ator tem de estar ciente de coisas como motivação e consistência do personagem, mas Alan age segundo a sua própria lógica perversa.”

Goldberg comenta: “Ele fala coisas que ninguém sabe de onde vieram, é hilariante. Alan não faz parte do grupo de amigos, mas quer muito se enturmar com eles, e consegue isso em meio a toda a confusão”. O que esses três realmente precisam, por diversas razões, é de Doug.

Atuando como o noivo que desaparece misteriosamente, Justin Bartha define: “Doug é a voz da razão no grupo. Queria que ele fosse o elo de ligação entre todos esses personagens de personalidades distintas. Ele é o denominador comum e, quando some, tudo vira um caos”.

Apesar de ter de se ausentar por algum tempo, Doug é vital para a história. “Ele é quem une esses homens e, quando fica desaparecido, a amizade deles parece balançar, e o trio fica meio sem sentido”, observa Jon Lucas, que, com o sócio Scott Moore, escreveu o roteiro de “Se Beber, Não Case!”. “Ele é o Santo Graal, aquilo que os nossos heróis precisam encontrar desesperadamente e que nós torcemos para que encontrem.”

Moore acrescenta: “Eles se preocupam com ele e enfrentarão qualquer coisa, vão se unir para achá-lo, mesmo que no processo um tire o outro do sério”. Phillips concorda: “O melhor humor é o que tem emoção, sentimento. Precisamos acreditar que esses caras realmente se importam uns com os outros e têm uma ligação verdadeira, e isso faz com que as coisas sejam mais profundas do que apenas contar piadas. Exploramos o humor natural e a estranheza da amizade entre homens e as coisas que os unem”.

Ele prossegue: “Comédia depende 70% de escalação. Claro que é preciso ter uma boa história, mas, além disso, é uma questão de ritmo, de ter grandes atores cômicos passando por uma situação e deixá-los reagir uns aos outros. O roteiro funcionou como um ponto de partida para Bradley, Ed e Zach, e eles avançaram com ele. O mesmo ocorreu com os atores coadjuvantes. Quando se povoa um filme com pessoas realmente engraçadas, isso ajuda a não deixar a peteca cair”.

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Conseguindo de novo: filmando a comédia radical

Após a comoção mundial causada por Borat, a jornada fílmica internacional do fashionista mais famoso da Áustria (e apresentador do programa de TV, Funkyzeit Mit Bruno) começou com os cineastas se fazendo uma pergunta simples: “Vamos conseguir fazer isso de novo?” Isso seria possível… se eles conseguissem manter seu astro e maior criador longe da prisão e vivo até o encerramento das filmagens.

Se o diretor Larry Charles e os produtores, Sacha Baron Cohen, Dan Mazer, Jay Roach e Monica Levinson, aprenderam uma única lição de sua experiência em Borat, foi viver segundo uma única regra: “conheça e respeite a lei e tenha sempre um plano de fuga”. Eles estavam certos de que se Baron Cohen fosse preso ou ferido, a produção teria de ser suspensa, atrasando seu cronograma em semanas. Essa máxima guiou todos os aspectos da produção, e eles conseguiram se ater aos seus planos.

Bem, exceto em uma ocasião. Enquanto a maioria das produções de cinema tem um cronograma diário de trabalho fechado, em que o elenco e a equipe sabem o que se espera deles, a equipe de BRUNO não teve esse luxo. Todas as tardes, o grupo precisava determinar o que seria filmado no dia seguinte. Eles faziam um planejamento, iam até a locação e filmavam tudo numa sucessão frenética. Depois, eles se dirigiam à próxima locação para extrapolar todos os limites sem infringir a lei.

Acreditando ser crucial superar a comédia radical que eles haviam criado com Borat, a equipe extrapolou no sarcasmo nesta produção e teve confrontos bem mais sérios com a polícia do que na primeira vez. E não parou aí. A equipe passou a receber ligações do FBI alertando-a sobre ameaças de morte e precisou driblar punhos revoltados, turbas ensandecidas e armas carregadas a cada etapa do caminho.

A experiência em Borat havia demonstrado que todo o elenco e a equipe precisavam estar integrados (e trabalhado sob o mais estrito sigilo) a fim de garantir que a técnica de filmagem de guerrilha funcionasse. Da detenção de Baron Cohen pela polícia de Milão depois da filmagem de uma participação que roubou a cena no desfile da designer Agatha Ruiz De La Prada ao seu interrogatório e revista pelos agentes policiais, não houve um único momento de tédio no set cosmopolita.

Assim que Baron Cohen e seus corroteiristas definiram as situações iniciais (por exemplo, Bruno será expulso de um grande desfile de moda, ele flertará com vítimas aturdidas e entrevistará celebridades acerca de seus esforços humanitários), começaram as pesquisas para se encontrar os melhores locais a serem visitados e as pessoas a serem entrevistadas. Os resultados, registrados por uma câmera, ditariam os passos seguintes.

Ao longo de 19 semanas não-consecutivas durante o ano inteiro, uma máquina “bem azeitada e completamente desorganizada” filmou as cenas. Mantendo uma companhia de produção limitada e em boas condições operacionais e contando com o sigilo de um grupo de profissionais talentosos, eles conseguiram registrar cenas jamais filmadas anteriormente.

Deslocando-se em cinco veículos (três vans, uma minivan e um trailer que se passava tanto por base da produção quanto por camarim), o elenco e a equipe cruzaram os EUA, a Europa e o Oriente Médio. Cruzando por Los Angeles, Nova York, Washington, D.C., Kansas, Texas, Alabama e Arkansas, nos Estados Unidos, e Londres, Berlim, Paris e Milão, na Europa, e Jordânia e Israel, no Oriente Médio, eles seguiram um cronograma exaustivo. Abaixo, segue somente uma amostra de suas histórias irreverentes.

Procurando Lutz
Quando os roteiristas escreviam as aventuras de Bruno, perceberam que ele precisaria de um comparsa em suas viagens pelo mundo. A escalação do papel do segundo assistente do apresentador de moda, o inicialmente dócil (e irremediavelmente apaixonado pelo chefe) Lutz, exigiu da produção uma busca exaustiva; foram realizadas audições nos EUA, na Alemanha, em Londres, e em muitos outros locais. Lutz seria “o heterossexual perfeito” para Bruno, embarcando em suas ideias malucas, como uma permuta por um bebê de uma tribo africana e sua tentativa de virar heterossexual. E ele faz tudo isso por amor.

Durantes as audições, o produtor Dan Mazer se lembrou de um ator de um de seus filmes favoritos, uma comédia sueca do roteirista e diretor Lukas Moodysson, intitulada Tillsammans (Together). Ele se emocionara com o desempenho de Gustaf Hammarsten e solicitou à equipe que trouxesse o ator para um teste para o papel. Durante a sua leitura, todos viram que haviam encontrado seu Lutz.

Assim como o astro do filme, Hammarsten também se arriscou bastante durante as filmagens e foi um parceiro tranquilo para todo o grupo. O ator foi algemado a Baron Cohen em um quarto de hotel em Kansas, golpeado numa arena de luta do Arkansas, e demonstrou uma coragem e versatilidade impressionantes. E a exemplo de Baron Cohen, Hammarsten estudou alemão na escola e era capaz de conversar com Bruno em seu idioma natal.

Universal Pictures e Media Rights Capital apresenta uma produção Four de Dois/Everyman Pictures: BRUNO, estrelando Sacha Baron Cohen como Bruno, Gustaf Hammarsten como Lutz. O supervisor musical é Richard Henderson, a trilha é de Erran Baron Cohen. O figurinista é Jason Alper e a comédia foi montada por James Thomas e Scott M. Davids. Os diretores de arte são Denise Hudson e David Saenz de Maturana e os diretores de fotografia são Anthony Hardwick e Wolfgang Held. O produtor executivo de BRUNO é Anthony Hines e os produtores são Sacha Baron Cohen, Jay Roach, Dan Mazer e Monica Levinson. A comédia é baseada em um personagem criado por Sacha Baron Cohen e o argumento é de Baron Cohen & Peter Baynham & Anthony Hines & Dan Mazer. O roteiro é de Sacha Baron Cohen & Anthony Hines & Dan Mazer & Jeff Schaffer. A comédia é dirigida por Larry Charles. © 2009 Universal Studios

Para você quer saber mais sobre um determinado o filme, o Daiblog estreia hoje uma nova seção: o Daiblog Especial. Assim você poderá ler notas de produção e demais informações sobre um filme em específico. Mas atenção: o material a seguir é recomendado para quem já assistiu ao filme e quer saber mais curiosidades, pois pode conter informações que podem estragar surpresas do roteiro. Para estrear a nova seção o filme escolhido foi o terror Arraste-me para o inferno!

Há mais de 10 anos, os irmãos Sam (Diretor: HOMEM-ARANHA 3) e Ivan Raimi (DARKMAN – VINGANÇA SEM ROSTO) escreveram uma primeira versão do roteiro que se tornaria ARRASTE-ME PARA O INFERNO, na época simplesmente chamado de A Maldição. “Sempre adoramos a ideia de maldições”, explica Ivan Raimi. “Gostamos de imaginar o que aconteceria a uma pessoa comum se ela fosse amaldiçoada e inserida nessas circunstâncias extraordinárias.” Enquanto escreviam, os irmãos Raimi precisaram escolher qual seria a tormenta sobrenatural da personagem principal, Christine, e decidiram usar a demoníaca Lâmia como a antagonista. A Lâmia já foi imaginada como inúmeras encarnações em diversas culturas – de uma deusa grega que tornou-se assassina quando Hera roubou seus filhos, até um ogro canibalista, súcubo ou uma criatura com aspecto de centauro –, mas as histórias têm um traço em comum. “Uma coisa que as lendas compartilham é que a Lâmia é um demônio que, quando está em perigo, arrasta suas vítimas gritando para o inferno”, revela Ivan Raimi.

Apesar de Sam Raimi estar entusiasmado em rodar o filme depois que a primeira versão do roteiro estivesse completa, outros projetos avançaram e A Maldição ficou em espera. A trilogia HOMEM-ARANHA tornou-se uma empreitada de quase uma década de duração, e não houve oportunidade de dar ao filme a atenção de que necessitava até o final de 2007, quando os produtores Rob Tapert (O PESADELO) e Grant Curtis (HOMEM-ARANHA 3) resolveram conduzir o projeto. Tapert estava curioso para ver o que Raimi faria com um filme de orçamento reduzido após trabalhar com três enormes blockbusters. “Depois que Sam dirigiu três filmes HOMEM-ARANHA, adquiriu comando de todas as ferramentas que um diretor tem à sua disposição”, ele diz. “Raimi entende tudo sobre o processo de direção e de efeitos especiais. Ele trouxe isso tudo para ARRASTE-ME PARA O INFERNO. Ele é capaz de usar as ferramentas de efeitos especiais, visuais, de maquiagem e mecânicos para criar algo que esperamos que o público nunca tenha experimentado.”

Com o roteiro pronto e a produção com sinal verde, Raimi e os produtores procuraram uma moça para viver a protagonista do filme, Christine Brown. Quem ficou com o papel foi Alison Lohman (A LENDA DE BEOWULF; COISAS QUE PERDEMOS PELO CAMINHO; QUEM É MORTO SEMPRE APARECE) que, segundo o diretor, “passa muita humanidade”. Raimi sente que o público precisa se identificar e apoiar Christine para que queira viajar com ela pelo caminho obscuro que trilha. “Para que sobreviva à terrível experiência pela qual está passando, ela faz escolhas cada vez mais sombrias que poderiam afastar o público. Queria que os espectadores ficassem com Christine ao longo das duras decisões tomadas”, conta o diretor. Fazendo contraponto à superstição e ao medo vividos por Christine está Clay, seu solidário, mas cético namorado, interpretado por Justin Long (ELE NÃO ESTÁ TÃO A FIM DE VOCÊ), que revela que o personagem pragmático o lembrou de seu pai. “Meu pai é professor de filosofia, e muito racional, muito estóico e lógico”. Quem vive o nada glamouroso papel da sra. Ganush é Lorna Raver (FREEWAY – SEM SAÍDA), atriz que passou boa parte da carreira nos palcos de Nova York e Chicago antes de chegar à Hollywood. Raver foi escolhida em um teste e, devido ao protocolo tradicional, inicialmente viu apenas pequenos trechos do roteiro.

“Eu não fazia ideia em que estava entrando, porque tudo o que eu tinha lido era sobre uma senhora indo a um banco porque ia perder a casa. Foi só depois que li o roteiro todo e pensei: ‘Minha Nossa!’” Dileep Rao (AVATAR) foi convidado para retratar o médium Rham Jas, que torna-se um improvável confidente de Christine. Rao gostou do ar contemporâneo que a história dá a um filme de terror e diz: “O aspecto mais interessante do roteiro é ser bastante moderno em termos de quem são os personagens, tendo, ao mesmo tempo, um estilo que lembra o tipo de terror de que gosto.” Quando Rham Jas não sabe mais o que fazer, leva Christine à vidente Shaun San Dena, uma das poucas mulheres do mundo que conheceram a Lâmia e sobreviveram para contar a história. A atriz mexicana Adriana Barraza (BABEL), que vive a poderosa médium, revela: “Desde criancinha, adoro filmes de terror. Vi tudo quanto foi tipo quando era nova, e tenho uma vasta biblioteca de literatura do gênero.” David Paymer (CINTURÃO VERMELHO; EM BOA COMPANHIA) retrata o chefe reprovador de Christine, sr. Jacks. A forma como Raimi desenrola o dilema encarado por Christine e nos liga a ela durante a jornada o impressionou. “Poderia acontecer a qualquer um de nós”, observa Paymer. “Somos apenas pessoas comuns tentando ganhar a vida. Algo de estranho acontece. Você é mordido por uma aranha ou conhece uma senhora que o amaldiçoa. Cada tentativa que ela faz para se livrar da maldição só a leva mais para o fundo.” Fechando o elenco estão diversos rostos familiares aos fãs dos filmes de Raimi. Joanne Baron (PERFUME), Tom Carey (HOMEM-ARANHA 2), Molly Cheek (DE REPENTE É AMOR), Aimee Miles (HOMEM-ARANHA 3), John Paxton (A MÃO DO DIABO), Ted Raimi (REINE SOBRE MIM), Bill E. Rogers (OBSESSÃO FATAL), Chelcie Ross (OS INTOCÁVEIS) e Octavia Spencer (SETE VIDAS; PULSE) apareceram também em pelo menos um dos trabalhos anteriores do diretor.

Durante as filmagens, o diretor de fotografia Peter Deming (O GURU DO AMOR; CAMISA DE FORÇA) usou uma iluminação realista que torna-se progressivamente escura à medida em que Christine é levada para o mundo do sobrenatural. “Utilizamos muita iluminação original e não corrigimos as inusitadas fontes de luz, como na garagem onde tudo está azul-esverdeado. Normalmente, usaríamos as lâmpadas apropriadas, mas ficamos com o que estava lá, inclusive nas cenas de rua”, explica Deming. “Isso aumenta a noção de realismo”, ele acrescenta. Para a cena da invocação, que tem uma cartela de cores mais rica, o diretor de fotografia usou efeitos adicionais de iluminação e tremores da câmera para aumentar a sensação de ansiedade e tensão à medida que o expectador começa a acreditar que Christine não tem saída. O diretor de fotografia também se esforçou para manter o foco do na relação entre o público e Christine. “Desde o início, Sam e eu conversamos sobre acompanhá-la o máximo possível ao longo do filme. Focalizamos o rosto de Alison em boa parte do tempo. Fizemos closes muito próximos, porque queremos que o público se sinta no lugar dela.”

Um dos primeiros projetos que a equipe de efeitos especiais encarou foi decifrar como fazer o ataque da sra. Ganush ao carro de Christine. Para filmar a ação, que inclui closes de Christine afundando o pé no pedal, apertando o freio e trocando marchas, a equipe criou um carro “quebra-cabeças”. O design permitiu que o compartimento frontal do motor e a mala – assim como todos os quatro lados e portas – se soltassem do carro. O teto saía em duas direções (de frente para trás e de lado para lado), algo que, apesar do espaço restrito, deu ao diretor uma boa porção de liberdade para filmar de ângulos diferentes. Outros truques foram usados ao longo das gravações de ARRASTE-ME PARA O INFERNO. Para criar os efeitos de vento no apartamento de Christine, por exemplo, a equipe utilizou monofilamento para abrir e fechar portas e mover candelabros e cortinas. Os artesãos passaram canos de cobre por janelas e sopraram ar através deles em direção a venezianas e cortinas. Já a cena da invocação em que Shaun San Dena tenta enganar a Lâmia incluiu trabalho com arames e efeitos de fogo. Kevin Foster (HOMEM DE FERRO; A VILA), que vive Milos, assistente de Shaun San Dena, foi coberto em gel e, com guinchos computadorizados, flutuou sobre uma mesa em chamas.

A produção do filme teve início em Tarzana, Califórnia, em um antigo banco vazio que com o trabalho do desenhista de produção Steve Saklad (JUNO) se tornaria o Wilshire Pacific Bank, cuja paleta clara se contrapõe às torrentes de vermelho empregadas em outros ambientes. Para alcançar toda a tensão e terror contidos no roteiro, o departamento de design empregou tanto locações e sets já existentes quanto outros que foram construídos do zero, todos seguindo uma premissa. “Para nós, o único erro que podíamos cometer era não tornar aquilo real. Sam podia ser tão extravagante quanto quisesse com suas ideias para as sequências de ação desde que nós lhe oferecêssemos um mundo real”, diz Saklad.

Outra contribuição para o visual de ARRASTE-ME PARA O INFERNO é o figurino de Isis Mussenden (AS CRÔNICAS DE NARNIA – PRÍNCIPE CASPIAN; AS CRÔNICAS DE NARNIA: O LEÃO, A FEITICEIRA E O GUARDA-ROUPA; DIRTY DANCING 2 – NOITES DE HAVANA). “Christine começa como uma garota ambiciosa no banco que está tentando ser conservadora, mas que tem uma noção de estilo”, comenta a designer. “À medida que seu estado mental se altera e ela é assombrada por algo desconhecido e sobrenatural, Christine começa a se deteriorar. Então fizemos isso também com as roupas. Fomos tirando a saturação das cores ao passo em que ela ia ficando mais perturbada.” Sobre o personagem Rham Jas, a figurinista diz: “Dileep foi muito divertido, queríamos passar uma noção de que ele era um cara contemporâneo num mundo espiritual. Dileep deu uma bela ideia, sobre colecionar símbolos espirituais em forma de pulseiras de todas as suas viagens. Quando começamos a montar isso, encontrei algumas peças antigas do Tibete, assim como dos índios Hopi e da América do Sul. Colocamos esses símbolos de diferentes mundos espirituais em seus braços e ficou fantástico. Realmente ajudou no personagem.”

Descrevendo a protagonista Christine Brown, Sam Raimi resume a história de ARRASTE-ME PARA O INFERNO: “Ela é uma boa menina. Tem boas intenções e está tentando vencer na vida em Los Angeles. Christine tem um namorado com o qual realmente se importa, e para não perdê-lo faz algo ruim. Ela escolhe pecar; isso faz os acontecimentos se desencadearem, e o filme se trata de uma vingança contra ela.”

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